Depuis vingt ans, la Galerie d’art d’Outremont présente des expositions d’artistes professionnels en arts visuels. Cet anniversaire sera souligné par un évènement spécial : une exposition rétrospective du 12 septembre au 6 octobre en hommage à l’artiste bien connue Michèle Drouin, membre de l’Académie royale des arts du Canada.

Depuis 50 ans, les œuvres de Michèle Drouin s’inscrivent d’une manière significative dans la grande vague de l’abstraction du Québec. Dans ces tableaux hauts en couleurs et aux titres poétiques, une forme d’irradiation nous mobilise. Comme au-delà de la couleur, de sa fluidité et de ses surgissements, le corps y affiche sa présence. René Viau, commissaire, est chargé de sélectionner les œuvres représentatives des différentes époques de la brillante carrière de l’artiste.

Autour de cette exposition rétrospective, diverses activités sont prévues : une table ronde avec l’artiste et des personnalités du milieu des arts le 20 septembre à 19 h, une visite guidée avec l’artiste le 28 septembre à 15 h et des ateliers avec les enfants.

]]> http://www.galeriedartdoutremont.ca/2013/05/01/michele-drouin-du-12-septembre-au-6-octobre-2013/feed/ 0 http://www.galeriedartdoutremont.ca/2013/05/01/une-selection-dartistes-par-robert-poulin10-octobre-au-3-novembre-2013/ http://www.galeriedartdoutremont.ca/2013/05/01/une-selection-dartistes-par-robert-poulin10-octobre-au-3-novembre-2013/#comments Wed, 01 May 2013 09:00:30 +0000 admin http://www.galeriedartdoutremont.ca/?p=921 Continue reading →]]> Une sélection d’artistes par Robert Poulin 10 octobre au 3 novembre 2013

Après presque vingt ans à la Galerie d’art d’Outremont et une centaine de montages d’expositions, nous voulions rendre hommage à notre ancien président du conseil d’administration, Robert Poulin, en lui offrant une exposition de son cru.

Instigateur de la Peau de l’Ours et grand défenseur de la peinture, il nous propose aujourd’hui ses «Choix du président». Au menu, une sélection d’œuvres d’artistes, rebelles et souvent marginaux, qui ont en commun l’amour et la pratique du dessin percutant, dérangeant, violent même, mais jamais ennuyeux.

Collectionneur, Robert Poulin nous propose d’explorer un univers insolite proche de l’art brut et de l’art outsider, issu parfois de la bande dessinée et du

Low Brow, qui s’immisce aujourd’hui dans la figuration narrative. Cette mouvance souterraine, qui marque désormais l’art avec un A majuscule, est selon lui porteuse d’un potentiel de renouveau de la peinture contemporaine.

Loin de la froideur du formalisme ou de la nostalgie de l’abstraction, Jason Botkin (En Masse), Guy Boutin, Caro Caron, Étienne (Nixon) Chartrand, Daniel Erban, Marc Leduc, Derek (Other) Mehaffey, Ed Pien, Osvaldo Ramirez-Castillo, John Todd, Henriette Valium, Max Wyse et leurs comparses sont quelques-uns de ces pirates de l’art qui œuvrent en dehors des canons de l’académie.

Dans un monde contemporain qui se caractérise par des images rapides, ironiques et faciles, mon travail demande une approche soutenue et attentive de la part du spectateur. Le spectateur patient est récompensé par une profondeur et une complexité de l’expérience qui est authentique et unique. Mes peintures sont à la fois objet et image, et demandent au spectateur de s’engager avec les surfaces physiques qu’il rencontre.

Un dictionnaire de mes interventions est utilisé pour créer une iconographie personnelle. La gestualité est un dérivé de la lumière, de la temporalité, de la gravité et du mouvement. L’accumulation de traces fait partie d’un système naturel, libéré d’intentions externes. La logique interne de la composition décrit l’aspect d’un écosystème infini, mimétique de la résolution illimitée de la nature.

Ma démarche s’articule autour d’objets du quotidien dont je m’emploie à détourner le sens. Je m’appuie sur ces objets et sur les liens que m’inspirent certaines de leurs propriétés pour créer des oeuvres s’apparentant à des allégories. Qu’il s’agisse de bulles de savon géantes suggérant l’éphémérité de la vie, ou encore de chromosomes à l’échelle humaine faisant allusion à l’évolution des genres, les processus de changement, l’évolution et les cycles de la vie sont au coeur de mes réflexions. Les mutations constantes du monde et des sociétés servant de toile de fond à mon travail, mes oeuvres deviennent ainsi des mises en scène ludiques de cette problématique.

Cécile Ronc présente sa dernière série de peintures qui suggèrent des paysages oniriques à la limite de l’abstraction et explorent les liens pouvant se nouer entre le paysage et la vie intérieure. Sans jamais quitter l’évocation de la nature, elle s’en sert comme le moyen qu’elle privilégie de l’exploration du langage pictural.

Dans son travail actuel, l’artiste cherche à porter une plus grande attention à l’espace, à trouver un équilibre entre spontanéité et organisation, à donner vie à des éléments fragiles et discrets ; à rendre visibles dessensations de distance et de présence simultanées, de fragilité, de réceptivité, d’aspiration, d’intimité, de manque. Par la persistance de tons délicats, elle tente de donner corps à ce qu’elle aime appeler la force de la douceur.

Avant d’obtenir son baccalauréat en peinture et dessin à l’Université Concordia où il sera récipiendaire du prix Cecil Buller – John J.A en 2009, Zoltan Veevaete a travaillé pendant deux ans en Espagne comme artiste tatoueur tout en se consacrant à l’étude d’oeuvres de grands maîtres tels que Vélasquez, Le Greco et Goya pour ne nommer que ceux-ci.

Ce jeune artiste montréalais a entretemps participé à bon nombre de projets de murales; il compte plusieurs expositions à son actif, notamment à Toronto et à New York.

Il accorde une attention plus que particulière à la temporalité et à l’espace. Il adapte dans ses tableaux des situations, comportements et personnages contemporains à des décors d’époque et vice-versa.

Avec une dérision certaine et en utilisant le clair-obscur qui rappelle Rembrandt, Zoltan Veevaete crée des personnages plus vrais que nature décrivant les comportements humains, en amalgamant érotisme et pudeur, opulence et misère.

Les écarts qui existent entre ce que l’on voit et ce que l’on croit voir sont au cœur des préoccupations du peintre Ianick Raymond: jusqu’à quel point peut-on se fier aux images que nos yeux perçoivent? L’artiste propose une suite de productions où la couleur traitée en couches superposées est appliquée en gradation d’aplats, ce qui rappelle les chartes de couleur. Les peintures regroupées au sein du corpus Décoloration questionnent l’influence de la couleur sur la lecture du tableau et sur la rythmique de sa structure. Quels effets d’optique déclenchent-elles ? Comment ces effets permettent-ils de trouver l’équilibre entre le dessin aléatoire issu de la matière et celui d’une structure où la couleur et le motif sont imposés?

Pour moi, la peinture n’a comme seule référence que sa propre réalité et pour produire du réel que sa propre matérialité. Son outillage est aussi sa fin, sa difficulté, sa spécificité et sa corporalité.

Une matière, une manière…

…une liquidité des matériaux, une palette extrêmement restreinte, des temps de séchage variés et des outils de traçage, une certaine hiérarchie des étapes de mise en image, des additions de couches de peinture liquide, des composantes inattendues: une malléabilité des surfaces, une fluidité difficile à contenir ainsi qu’une certaine luminosité…

…des gestes anonymes qui disparaissent et réapparaissent au séchage. Gratter sur (l’eau), effacer inlassablement ce qui vient tout juste d’y être tracé. Deviner la suite des choses, espérer en garder un souffle, une marque, un indice, un épisode…

Les glaciers fondent et la diversité des espèces s’amenuise, que faisons- nous ? Rien. Pendant que l’espèce humaine se dirige vers un avenir incertain, je réalise des structures portables avec des contenants de plastique recyclés. Je les illumine et je donne ainsi au corps le pouvoir d’être visible. Le matériau banal qu’est le plastique devient ré-enchanté par la lumière et peut rendre visible son environnement. Je mets en lumière des tableaux du Musée des beaux-arts, qui présentent trois étapes de la vie, à l’aide d’une robe de bouteilles d’inspiration baroque. Telle une nouvelle Prométhée, échouée sur le rivage, je rêve du temps où je pouvais donner vie aux animaux. Me réveillant à New York (Lower Manhattan Cultural Council), je réalise des structures afin d’être prête pour la montée des eaux. Je tente de devenir un insecte : la classe du vivant gagnante des changements climatiques. Ainsi, c’est avec la lumière que je me métamorphose pour actualiser des mythologies et rituels de notre civilisation chancelante.

Missisquoi

du 6 au 30 septembre 2012

Carton d’invitation

« Dans tous mes tableaux, j’essaie de créer des microcosmes où s’expriment la richesse et la diversité de la matière et des éléments. Pour traduire le foisonnement du monde physique, je convoque les multiples possibilités de l’art pictural, que ce soit sur le plan de la palette, de la composition ou des techniques utilisées. Ainsi, chaque tableau peut être vu comme l’expression d’un instant, d’un temps originaire où le monde se manifeste en tant qu’apparition. Devant la toile, j’essaie de reconstituer ces moments d’émerveillement où les formes visibles se cristallisent en un tout harmonieux. Mes toiles se veulent ainsi un hommage à la foisonnante beauté du monde, au regard qui capte l’exubérance particulière de ses fugitives compositions.

  La série de tableaux Missisquoi présente des microcosmes lumineux et colorés qui expriment la polyvalente richesse du monde naturel. Sous la forme d’abstractions, ces microcosmes ouvrent sur l’infini et révèlent la part de hasard qui gouverne l’agencement des éléments.

C’est ainsi que chaque tableau peut être vu comme une célébration du monde physique et des forces qui l’animent. En plus du noir et du blanc qui instaurent des contrastes, la palette est composée de multiples couleurs évoquant tantôt la fluidité et l’inventivité des mondes aquatique et végétal, tantôt l’éclatante mémoire or et bronze du monde géologique. La plénitude de ces microcosmes se manifeste dans la rencontre de l’opaque et du transparent, du mat et du brillant, dans les effets de poudrerie, de glaçure, de vernis, d’émail, de reliefs, de coulure et de grattage. La diversité des jeux de la matière sert ainsi d’incitatif à l’exploration des nombreuses possibilités de l’art pictural.

Marie-Anne Letarte a exposé ses oeuvres à la Galerie Arts Sutton, à l’automne 2011, dans le cadre des Journées de la culture. Elle a aussi exposé à l’Espace 418 du Belgo en 2008, ainsi qu’à l’occasion d’une première exposition à la Galerie Arts Sutton en 2002. Elle détient un baccalauréat en beaux-arts de l’Université Concordia et a terminé une scolarité de maîtrise en Études des arts à l’UQAM. Outre la peinture qui est son mode d’expression privilégié, elle a pratiqué la photographie, la gravure et l’aquarelle. Plusieurs de ses oeuvres illustrent les couvertures du magazine l’Inconvénient.